Table ronde avec les artistes Joy Charpentier, Sylvain Fraysse et Lou Masduraud autour de SOL! La Biennale du territoire #2 Soleil triste, au MO.CO. Panacée du 14 octobre 2023 au 28 janvier 2024.

Elevé en caravane dans le milieu manouche, Joy Charpentier est diplômé en 2017 de l’Ecole supérieure d’art et d’un Master à Bourges. Son travail témoigne de l’injustice et des inégalités sociales tout en adoptant l’humour et l’ironie avec des compositions absurdes. Dans ses collages, il déconstruit ces inégalités tout en revendiquant son travail comme politique : « Manouche, pédé, efféminé, ex-pute, prolo, allié féministe intersectionnel : Le négatif de l’idéal néolibéral et hétéro patriarcal ». Il travestit les standards de la société en des formes hybrides entre dessin, performance et installation.

Diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Toulouse, Sylvain Fraysse porte un intérêt pour l’histoire de la pornographie, notamment le rapport entre ses codes de représentation et de diffusion. Il crée une forme de romantisme subversif désuet en ancrant son travail dans la culture rock et alternative des années 1990 qui trouve écho dans la littérature américaine de la génération X.

En combinant la sculpture, l’installation et la performance dans un vocabulaire qui emprunte au grotesque comme au poétique, Lou Masduraud crée des mondes fantasmagoriques. Dans son travail, elle analyse, modifie et met en scène les habitudes collectives normatives du quotidien comme une première forme d’émancipation. Elle suggère une érotique du sensible en développant des corps hybrides qui s’adaptent aux systèmes tubulaires, à des soupiraux, à des lampadaires, à des fontaines ou encore des bouches en marbre.

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.

En partenariat avec Midi libre.

La veille du vernissage de Ana Mendieta. Aux commencements, ne manquez pas la projection du court-métrage documentaire Ana Mendieta, Nature Inside réalisé par Raquel Cecilia, suivie d’une discussion lors des Jeudis MO.CO. Panacée pour découvrir les moments clefs de la vie et de l’œuvre d’Ana Mendieta.

Raquel Cecilia est une réalisatrice et écrivaine indépendante, surtout connue pour ses récents films sur sa tante, l'artiste Ana Mendieta. Ses films ont été projetés dans des festivals et des musées du monde entier, tels que le Frameline à San Francisco, le BFI’s Flare Festival à Londres, le UC Berkeley Art Museum et la Pacific Film Archive, le Museo Nacional de Bellas Artes à La Havane, le Jeu de Paume à Paris et, plus récemment, le Museum of Art and Design à New York. Raquel a publié de nombreux essais sur Ana Mendieta dans des catalogues d'art et elle est l’Administrator de l’Estate of Ana Mendieta Collection. Elle termine actuellement un long métrage documentaire sur la vie et l'art d'Ana Mendieta.

Dans le cadre de l’ARC (Atelier de recherche et création) "Tracer les fantômes" au MO.CO. Esba.

Philippe Dagen est historien de l'art, professeur d'histoire de l'art contemporain à l'Université Paris I Panthéon-Sorbonne, auteur d'ouvrages sur l'art du XXe siècle et de romans, et critique d'art au journal Le Monde. 

Avec Marie Boutevin, Paul Dubois, Alyss Fleury, Pierre Peres, Clémentine Poirier, Gaétan Vaguelsy

Dans le cadre de Saison 6, programme annuel de résidences et d’expositions organisées à l’international dans les biennales ou grandes manifestations d’art contemporain partenaires, à destination de 6 jeunes artistes diplômés du MO.CO. Esba.

Saison 6, avec le soutien du Ministère de la Culture via le dispositif CulturePro, de l'Institut français et de la Région Occitanie.

Dans le cadre de l'exposition Immortelle.

Discussion avec les artistes Axel Pahlavi, Jérôme Zonder, et la co-commissaire de l'exposition Amélie Adamo.

Entrée gratuite.

En partenariat avec Midi Libre.

Conférence autour de sa pratique artistique, dans le cadre de l'exposition Immortelle au MO.CO. Suivie d'une dédicace et vente de son catalogue d'exposition (Vues d'ici. Paysages d’auprès et figures intimes. Musée Paul Valéry à Sète).

Né en 1975 dans une famille de peintres, Thomas Verny est diplômé de l’Ecole nationale des Beaux-Arts de Paris en 1998, élève de Vincent Bioulès, membre fondateur du groupe Supports/Surfaces, il vit à Sète et exerce aujourd’hui à l’Ecole des Beaux-arts. Il procède toujours avec la même technique, le pastel sur le motif, associé à l’acrylique pour les formats les plus importants.

Entrée gratuite.

En partenariat avec Midi Libre.

Conférence autour de son livre « l'Art contemporain, ce qu'il doit aux chefs d'oeuvre du passé ». Suivie d'une séance de dédicace.

Journaliste, critique d’art et commissaire d’exposition, Élisabeth Couturier est présidente de l’AICA France (Association Internationale des Critiques d’art). Elle intervient dans la presse (art press, Connaissance des arts, Historia, Paris Match), l’édition (Flammarion), la radio et la télévision. Elle a produit l’hebdomadaire les jeudis de l’expo sur France Culture. Elle est l’auteur de la collection de films Les petits secrets des grands tableaux pour ARTE et a réalisé le documentaire de 52 mn pour France 5 sur Pierre & Gilles pour la série Influences Elle dirige la collection Le Guide aux éditions Flammarion dont elle a signé le best-seller « Art contemporain », mais aussi « La photo contemporaine », « Le Design » et tout dernièrement « l’Art contemporain, ce qu’il doit aux chefs d’œuvre du passé. Elle donne régulièrement des conférences sur l’art contemporain et l’histoire de l’art.

Entrée gratuite.

En partenariat avec Midi Libre.

Table ronde "Tracer les fantômes" avec les artistes et enseignants du MO.CO. Esba : Marcos Avila Forero, Gilles Balmet, Corine Girieud, Yohann Gozard, Miles Hall, Nadia Lichtig, Carmelo Zagari. 

L’ARC (Atelier de recherche et création) Tracer les fantômes de MO.CO. Esba – Ecole supérieure des beaux-arts de Montpellier questionne les impensés du geste de tracer, tant au point de vue plastique que théorique. Lorsque nous traçons une forme et rendons ainsi visible son contour, qu’en est-il du creux, de ce qui est à la marge de cette forme ? Lorsque nous déployons en peinture une palette de couleurs, quelles complémentarités — sonores, historiques, formelles — convoquent-elles ? Lorsque nous partons à la recherche de documents pour constituer l’archive, qu’en est-il des oublis, des pistes non tracées, non poursuivies, de ce que nous omettons ? 

Dans le cadre de l'exposition Immortelle.

Conférence autour de sa pratique artistique.

Mireille Blanc pratique une peinture entièrement tournée vers la question de l’image, de sa reproduction à partir de documents photographiques extraits d’albums, d’archives ou de prises de vues qu’elle réalise, posant ainsi la question du dépassement de l’image photographique par la peinture. La réflexion concerne autant la surface peinte – souvent crémeuse – que le cadre. Ce qui est peint n’est pas la photographie en tant qu’image mais l’objet photographique lui-même.

Dans le cadre de l’Atelier de Recherche et de Création du MO.CO. Esba  « Les Champs du vivant », conférence réalisée en partenariat avec la Chaire Unesco Alimentations du monde / SupAgro Montpellier.

Nous ne sommes pas seulement vivants, nous sommes terrestres. La vie elle-même doit être comprise comme une dimension de cette entité étrange entre toutes qu'est la Terre. Mais la Terre n'est pas une planète au sens de Copernic; c'est une relation circulaire entre un espace fini et ses occupants telle que les habitants font l'habitabilité de leur propre espace global. Pour la même raison, ils peuvent nuire à cette habitabilité même - comme les modes de vie qui sont les nôtres le font actuellement. Dans cette conférence, Patrice Maniglier, auteur de Le Philosophe, La Terre et le Virus, Bruno Latour expliqué par l'actualité (édition Les Liens qui Libèrent, 2021) se demandera comment nous faire revenir sur Terre et ce que cela implique aussi pour l'art.

Patrice Maniglier est Maître de Conférences au Département de Philosophie de l’Université Paris Nanterre ainsi que, pour une part de son enseignement, au Département d’Arts du Spectacle. Spécialiste de philosophie française contemporaine, de philosophie des sciences sociales (surtout linguistique et anthropologie), d’esthétique et de théorie du cinéma, il est notamment l’auteur de La Vie énigmatique des signes: Saussure et la naissance du structuralisme (2006), Le Vocabulaire de Lévi-Strauss (Ellipses, 2002), La Perspective du Diable, Figurations de l'espace et philosophie, de la Renaissance à Rosemary's Baby (Actes Sud, 2010), Foucault va au cinéma (Bayard, 2011), La Philosophie qui se fait (Cerf, 2019), La Terre, le philosophe et le virus, Bruno Latour expliqué par l’actualité (Les Liens Qui Libèrent, 2021).

Dans le cadre de l'exposition Immortelle.

Conférence autour de sa pratique artistique.

Thomas Lévy-Lasne est un peintre né en 1980 à Paris. Il est représenté par la Galerie Les filles du calvaire et est ancien pensionnaire de la Villa Médicis (2018-19). Aquarelles de fête, fusains de manifestations, dessins érotiques de webcam, peintures à l’huile de la solitude urbaine ou de l’envahissement de l’intime par la technologie, il aborde d’une manière classique les sujets les plus divers et les plus contemporains et traite aujourd’hui la fin du banal, celui de la catastrophe écologique.

Dans le cadre de l'exposition Immortelle.

Discussion avec les artistes Stéphane Pencréac'h, Nazanin Pouyandeh et la co-commissaire de l'exposition Amélie Adamo, présentée au MO.CO.

Présentation de son dernier livre "Actes d'art", Presses du réel.

«Il s'est passé beaucoup de choses dans les années soixante. Poésie, cinéma, art visuel, performance, jazz, rock, pop... Les jeunesses du monde ont envahi les rues dans un soulèvement de contestation et dans un élan d'espoir. Les artistes se sont libérés de nombre de leurs contraintes. Ils ont ouvert les fenêtres pour côtoyer la vie au plus près. Ce livre est rempli de ce qu'ils ont fait, de leur esprit, de leurs actes. Il est constellé de leurs paroles, citations de textes, d'interviews, recueil d'histoires et d'anecdotes parfois inédites. Les vingt années qui s'écoulent entre 1960 et 1980 sont étonnamment d'actualité. Tilman les a intimement vécues. Auteur acteur, actif, il est plus qu'un simple témoin ou qu'un rapporteur. Son livre est un voyage, un parcours, une vaste ballade historique et poétique. Il est une mallette de voyage, chargée d'indications et de repères, qu'on ouvre, dans laquelle on pioche et dans laquelle on fait des découvertes inhabituelles. La manière de penser de Pierre Tilman est celle d'un homme libre.» (extrait de la 4ème de couverture)

Poète, artiste, écrivain, Pierre Tilman participe à la direction de la revue Chorus (1968-1974). Il est l'auteur de livres sur les artistes Erro, Peter Klasen, Jacques Monory. Il écrit Robert Filliou : nationalité poète, qui est pour certains un livre culte, publié par Les presses du réel en 2006. Né en 1944, traversé par les années 1960-1980, il est un homme de l'existence concrète, directe, de l'amitié au fil des jours et au fil des nuits avec les artistes, les poètes, les musiciens de jazz, les créateurs de vie qui constituent le peuple remuant d'Actes d'art.

Discussion autour de sa pratique artistique avec Julie Chateignon, assistante de production au MO.CO.

Contemporain et ami des artistes de Supports/Surfaces et après une période formaliste dans les années 70, Alain Clément développe dans les années 80 une peinture très colorée constituée de gestes simples jusqu’à saturation de l’espace du tableau. Depuis, valeurs, traits, lignes, rubans et trames travaillent l’espace, le nient, le forcent, le creusent dans une œuvre profuse, dépassant les problématiques formalistes et affirmant le pouvoir expressif de la peinture.À partir de 1990, il entreprend la sculpture par des reliefs muraux en bois dont les formes sont issues de larges traits colorés qui structurent l’espace. Il la développe rapidement dans l’espace jusqu’à des formats monumentaux en acier peint.La singularité de son œuvre repose sur les rapports étroits qu’il tisse dans des allers-retours constants entre peinture et sculpture mis en relief par les expositions que les musées lui consacrent depuis le début des années 2000. Ces rapports s’enrichissent régulièrementpar la pratique de la gravure à laquelle il réserve toujours un soin particulierdepuis le milieu des années 60.

Discussion autour de sa pratique artistique avec Rahmouna Boutayeb, curatrice au MO.CO.

Depuis les années 1990, Françoise Pétrovitch façonne l’une des œuvres les plus puissantes de la scène française. Parmi les nombreuses techniques qu’elle pratique – céramique, verre, lavis, peinture, estampe ou vidéo – le dessin tient une place particulière. Dans un dialogue constant avec les artistes qui l’ont précédée et se mesurant aux motifs incontournables de la « grande peinture » – Saint-Sébastien, natures mortes, etc. –, Pétrovitch révèle un monde ambigu, volontiers transgressif, se jouant des frontières conventionnelles et échappant à toute interprétation. L’intime, le fragment, la disparition, les thèmes du double, de la transition et de la cruauté traversent l’œuvre que peuplent animaux, fleurs et êtres, et dont l’atmosphère, tour à tour claire ou nocturne, laisse rarement le spectateur indemne.