Discussion avec l'artiste Pat Andrea par Amélie Adamo, historienne de l'art.

Pat Andrea est né à la Haye en 1942. Après des études à l’Académie Royale des Beaux-arts de La Haye, il entreprend de voyager en Espagne, en Grèce et en Amérique latine. Il vit et travaille actuellement entre Paris et Buenos-Aires.
L’artiste développe une vision de la réalité qui propose une alternative à la figuration. Le classicisme apparent de la représentation ne fait que révéler davantage les fantasmes, les peurs et les pulsions d’un monde où la femme est omniprésente. À la croisée de l’hyperréalisme et du surréalisme, les images de Pat Andrea qui revendiquent la beauté des formes autant que la force de leur contenu sèment le trouble et nourrissent avec acuité la nature de notre conscience.

Amélie Adamo est auteure, historienne d’art, commissaire d’expositions indépendante. Depuis l’obtention de sa thèse en Histoire de l’Art contemporain, qui fut l’objet d’une publication aux éditions Klincksieck ainsi que d’un essai aux éditions Galilée, elle contribue à la rédaction de nombreux catalogues d’expositions et textes pour des revues spécialisées, dont le magazine L’ŒIL. Attachée à défendre le travail d’artistes issus de sa génération, née dans les années 1970, mais portant aussi un regard particulier sur la scène ayant émergée dans les années 1980, elle orchestre des expositions, en galeries ou en institutions muséales, dont l’intérêt porte essentiellement sur la peinture figurative, sensible à sa part expressionniste et politique, à ses survivances et hybridations.

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.
En partenariat avec Midi libre.

Nathalie Garraud, co-directrice du Théâtre des 13 vents, invitée par les Jeudis du MOCO, sera en discussion avec Jeanne Etelain, philosophe, et Corine Girieud, historienne de l’art. Ensemble elles exploreront la représentation des femmes à travers les prismes de la création artistique, de l'histoire de l'art et de la philosophie avec pour point de départ la dernière œuvre de Nathalie Garraud et Olivier Saccomano, intitulée "Institut Ophélie”.



"Institut Ophélie" plonge dans les méandres de la représentation des femmes en s'inspirant de la figure tragique d'Ophélie. Cette pièce explore la vie psychique d'une femme en représentation, hantée par les multiples incarnations de la représentation féminine au cours des siècles. À la fois objet et sujet de la représentation, elle donne sur scène naissance à des tableaux vivants peuplés de fantômes issus de notre imaginaire collectif. Au cœur de cette création se déroule une lutte acharnée avec les images, suscitant une réflexion profonde sur la nature même de la représentation et les pouvoirs qui la façonnent. Comment les femmes ont-elles été représentées à travers les siècles ? Comment la création artistique peut-elle être un moyen de déconstruire et de reconstruire ces représentations ? Quel rôle joue l'histoire de l'art et la philosophie dans la manière dont nous percevons et interprétons ces représentations ? Chaque intervenante apportera son expertise pour explorer ces questions et bien d'autres encore.

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.
En partenariat avec Midi libre.

Dans le cadre de l’Atelier de Recherche et de Création du MO.CO. Esba « Les Champs du vivant ».

Patrice Maniglier est Maître de Conférences au Département de Philosophie de l’Université Paris Nanterre ainsi que, pour une part de son enseignement, au Département d’Arts du Spectacle. Spécialiste de philosophie française contemporaine, de philosophie des sciences sociales (surtout linguistique et anthropologie), d’esthétique et de théorie du cinéma, il est notamment l’auteur de La Vie énigmatique des signes: Saussure et la naissance du structuralisme (2006), Le Vocabulaire de Lévi-Strauss (Ellipses, 2002), La Perspective du Diable, Figurations de l'espace et philosophie, de la Renaissance à Rosemary's Baby (Actes Sud, 2010), Foucault va au cinéma (Bayard, 2011), La Philosophie qui se fait (Cerf, 2019), La Terre, le philosophe et le virus, Bruno Latour expliqué par l’actualité (Les Liens Qui Libèrent, 2021).
Il co-dirige la collection « MétaphysiqueS » aux Presses Universitaires de France. 

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.
En partenariat avec Midi libre.

Conférence de l'artiste dans le cadre de sa monographie présentée au MO.CO. "Une mouche est apparue, et disparut", du 18 novembre 2023 au 28 janvier 2024. L'intervention de l'artiste sera exclusivement en anglais. Une traduction sera effectuée sur le temps des questions/réponses.

L’artiste pakistano-américaine Huma Bhabha, née en 1962 à Karachi, s’inspire autant de la science-fiction que de la mythologie, de la zoologie, de l’histoire de l’art et de la culture populaire. Dans ses sculptures, œuvres sur papier, et dessins sur photographie, la figure est omniprésente. Entremêlées d’allusions à la guerre, aux questions migratoires et de colonisation, à la fragilité écologique, ses créatures hybrides – à la fois humaines et animales – suggèrent une altérité étrange bien que familière. 

Dans cette conférence, Huma Bhabha nous fait découvrir ses inspirations et les matériaux qu’elle utilise.  

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.
En partenariat avec Midi libre.

"Du bitume aux cimaises". Discussion avec Laurent Rigail et Fabien Verschaere. En partenariat avec Parcelle473.

Originaire de Montpellier, Laurent Rigail est galeriste, agent d'artiste, président fondateur du musée d'art urbain et contemporain Parcelle473.

Né en 1975 à Vincennes, Fabien Verschaere est un artiste plasticien qui vit et travaille aujourd'hui à Paris. En 2000, il est diplômé de l'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, et des Beaux-Arts de Nantes l'année suivante. Son univers si singulier, grouillant, étrange, le démarque dans l'univers de la création artistique contemporaine et le conduit rapidement à exposer dans de prestigieuses institutions, à l'instar du Palais de Tokyo en 2006. Sillonnant le globe, ses oeuvres s'exportent ainsi à Milan, Bucarest, Hong-Kong, Newcastle, New York, Hanoï ou encore Abu Dhabi. 

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.
En partenariat avec Midi libre.

"Art & électro". Partenariat MO.CO. / Festival Dernier Cri 2023.

Artiste plasticienne et conceptrice audio, travaillant avec les musiques électroniques, Gaëlle Scali présentera ses recherches actuelles et reviendra sur son parcours d’artiste. Dans le cadre du festival Dernier Cri, elle présente un live A/V s’intitulant Attractive ‘Acid’ Cycles. La conférence sera un moyen d’étendre le processus de création ayant conduit à ce projet.

Gaëlle Scali est une artiste sonore et plasticienne d’origine française. Elle vit et travaille à Montréal au Québec. Elle a suivi un post-diplôme en pratique électroacoustique « Arts et créations  sonores » à l’École Nationale d’Art (Ensa) de Bourges entre 2018/2019 et a obtenu un DNSEP (diplôme national supérieur d'expression plastique) en art visuel à l’École Supérieure des  Beaux-Arts de Montpellier (MO.CO. Esba) en 2009. Elle s’intéresse à la musique improvisée, aux pratiques de composition musicale assistées par ordinateur, à la performance live électronique et à l’histoire des musiques électroniques. Également impliquée dans une démarche en art visuel, elle s’intéresse au territoire médiatique de la musique « techno », à sa dimension technique, culturelle, sociale, esthétique et à la médiatisation du son dans les arts visuels. Ses recherches actuelles mettent en tension des systèmes visuels génératifs d'objets fractals à  partir de la création sonore expérimentale pour la live electronic music. Avec l'aide de collaborateur.ices, elle élabore une interface numérique de musique-visuelle perçue comme  une interface expérimentale de composition intermédiatique. Ses créations sonores et ses recherches ont été présentées dans des festivals de musique  électronique et expérimentale comme Mutek Montréal, Ars Electronica, Festival Montréal / Nouvelles Musiques, Printemps de Bourges.

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.
En partenariat avec Midi libre.

Conférence autour de sa pratique artistique.

Hervé Di Rosa est artiste peintre. 
Élève de l’École nationale Supérieure des Arts décoratifs (mais non diplômé!), Hervé Di Rosa commence à vendre ses peintures dès 1979. 
À tout juste vingt ans, il est exposé à Paris, Amsterdam et New York. En 1981, Hervé Di Rosa cofonde le mouvement de la Figuration libre, ainsi dénommé par l’artiste Ben. 
Progressivement, il diversifie ses approches artistiques au contact d’artisans dans un tour du monde qui le mènera en Tunisie, en Bulgarie, au Ghana, au Bénin, en Ethiopie, au Vietnam, en Afrique du Sud, en Corse, à Cuba, au Mexique, aux Etats-Unis, au Cameroun, en Israël. Sans revendiquer un style particulier, mais en développant un univers narratif bien à lui, peuplé de personnages récurrents, il a pratiqué toutes les techniques de création: peinture, sculpture, bande-dessinée, tapisserie, estampe, fresque, laque, argent repoussé, céramique, dessin animé, images numériques, entre autres. Il est également l’auteur ou le sujet de plus de 150 livres d’art et publications entre 1978 et 2019. 
Concepteur de l’Art modeste, il fonde en l’an 2000, à Sète, le Musée international des arts modestes (MIAM), où il expose de nombreux artistes venus du monde entier et crée des expositions qui questionnent les frontières de l’art contemporain. 
Depuis 1981, son œuvre a fait l’objet de plus de 200 expositions personnelles et est présente dans d’importantes collections publiques et privées en Europe, en Amérique et en Asie. Il vit et travaille actuellement à Lisbonne, Portugal. 

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.

En partenariat avec Midi libre.

Avec Marion Carré, Patrice Cervellin, Obvious, Agnès Robin, Thibaud Zamora. Modérateur : Vincent Martin.

Le MO.CO, la Ville et Métropole de Montpellier s’associent pour organiser une table ronde sur l’IA à l’ère de l’Intelligence Artificielle, entre opportunités ou dérives. Cet évènement s’inscrit dans la programmation de la candidature de Montpellier comme capitale européenne de la culture en 2028.
Les récentes actualités autour de l’intelligence artificielle montrent que la production artistique est profondément impactées par ces nouvelles avancées technologiques. Depuis quelque mois, des solutions d’intelligence artificielle générative (MidJourney, Stable Diffusion, Dall-E,…) disponibles pour le grand public, permettent de réaliser des images à partir d’une simple description, et a déjà remporté un concours d’art (le Colorado State Fair). Des nouveaux artistes s’engagent par ailleurs pleinement dans la voie de la production artistique via l’intelligence artificielle, et d’autre se servent de ces opportunités technologiques pour rapprocher les publics de la culture.

Organisée par Montpellier Méditerranée Métropole, en partenariat avec MO.CO. Montpellier Contemporain, dans le cadre des Jeudis MO.CO. Panacée avec Midi Libre et, dans le cadre de la candidature de Montpellier, Capitale européenne de la Culture 2028.

Les intervenants :

•             Vincent Martin (Animateur) – Directeur et créateur de La Courbe verte

•             Thibaud Zamora - Artiste IA - Ancien développeur montpelliérains de jeux-vidéos à succès

•             Obvious - Artiste, auteur de l’exposition 7.1 - générés par l’IA - exposés à la galerie Magda Danysz

•             Patrice Cervellin – Maître de Conférence à l’Université Montpellier III – Paul Valéry, Enseignant-chercheur en arts-plastiques dans le Master « Jeux-vidéos »

•             Agnès Robin – Maître de Conférence à l’Université de Montpellier, Directrice du Master « Droit de la propriété intellectuelle et Droit du Numérique, Directrice adjointe du Laboratoire Innovation Communication et Marché (LICeM)

•             Marion Carré – Responsable de la Start-up Ask Mona

Table ronde avec les artistes Joy Charpentier, Sylvain Fraysse et Lou Masduraud autour de SOL! La Biennale du territoire #2 Soleil triste, au MO.CO. Panacée du 14 octobre 2023 au 28 janvier 2024.

Elevé en caravane dans le milieu manouche, Joy Charpentier est diplômé en 2017 de l’Ecole supérieure d’art et d’un Master à Bourges. Son travail témoigne de l’injustice et des inégalités sociales tout en adoptant l’humour et l’ironie avec des compositions absurdes. Dans ses collages, il déconstruit ces inégalités tout en revendiquant son travail comme politique : « Manouche, pédé, efféminé, ex-pute, prolo, allié féministe intersectionnel : Le négatif de l’idéal néolibéral et hétéro patriarcal ». Il travestit les standards de la société en des formes hybrides entre dessin, performance et installation.

Diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Toulouse, Sylvain Fraysse porte un intérêt pour l’histoire de la pornographie, notamment le rapport entre ses codes de représentation et de diffusion. Il crée une forme de romantisme subversif désuet en ancrant son travail dans la culture rock et alternative des années 1990 qui trouve écho dans la littérature américaine de la génération X.

En combinant la sculpture, l’installation et la performance dans un vocabulaire qui emprunte au grotesque comme au poétique, Lou Masduraud crée des mondes fantasmagoriques. Dans son travail, elle analyse, modifie et met en scène les habitudes collectives normatives du quotidien comme une première forme d’émancipation. Elle suggère une érotique du sensible en développant des corps hybrides qui s’adaptent aux systèmes tubulaires, à des soupiraux, à des lampadaires, à des fontaines ou encore des bouches en marbre.

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.

En partenariat avec Midi libre.

La veille du vernissage de Ana Mendieta. Aux commencements, ne manquez pas la projection du court-métrage documentaire Ana Mendieta, Nature Inside réalisé par Raquel Cecilia, suivie d’une discussion lors des Jeudis MO.CO. Panacée pour découvrir les moments clefs de la vie et de l’œuvre d’Ana Mendieta.

Raquel Cecilia est une réalisatrice et écrivaine indépendante, surtout connue pour ses récents films sur sa tante, l'artiste Ana Mendieta. Ses films ont été projetés dans des festivals et des musées du monde entier, tels que le Frameline à San Francisco, le BFI’s Flare Festival à Londres, le UC Berkeley Art Museum et la Pacific Film Archive, le Museo Nacional de Bellas Artes à La Havane, le Jeu de Paume à Paris et, plus récemment, le Museum of Art and Design à New York. Raquel a publié de nombreux essais sur Ana Mendieta dans des catalogues d'art et elle est l’Administrator de l’Estate of Ana Mendieta Collection. Elle termine actuellement un long métrage documentaire sur la vie et l'art d'Ana Mendieta.

Dans le cadre de l’ARC (Atelier de recherche et création) "Tracer les fantômes" au MO.CO. Esba.

Philippe Dagen est historien de l'art, professeur d'histoire de l'art contemporain à l'Université Paris I Panthéon-Sorbonne, auteur d'ouvrages sur l'art du XXe siècle et de romans, et critique d'art au journal Le Monde. 

Avec Marie Boutevin, Paul Dubois, Alyss Fleury, Pierre Peres, Clémentine Poirier, Gaétan Vaguelsy

Dans le cadre de Saison 6, programme annuel de résidences et d’expositions organisées à l’international dans les biennales ou grandes manifestations d’art contemporain partenaires, à destination de 6 jeunes artistes diplômés du MO.CO. Esba.

Saison 6, avec le soutien du Ministère de la Culture via le dispositif CulturePro, de l'Institut français et de la Région Occitanie.

Dans le cadre de l'exposition Immortelle.

Discussion avec les artistes Axel Pahlavi, Jérôme Zonder, et la co-commissaire de l'exposition Amélie Adamo.

Entrée gratuite.

En partenariat avec Midi Libre.

Conférence autour de sa pratique artistique, dans le cadre de l'exposition Immortelle au MO.CO. Suivie d'une dédicace et vente de son catalogue d'exposition (Vues d'ici. Paysages d’auprès et figures intimes. Musée Paul Valéry à Sète).

Né en 1975 dans une famille de peintres, Thomas Verny est diplômé de l’Ecole nationale des Beaux-Arts de Paris en 1998, élève de Vincent Bioulès, membre fondateur du groupe Supports/Surfaces, il vit à Sète et exerce aujourd’hui à l’Ecole des Beaux-arts. Il procède toujours avec la même technique, le pastel sur le motif, associé à l’acrylique pour les formats les plus importants.

Entrée gratuite.

En partenariat avec Midi Libre.

Conférence autour de son livre « l'Art contemporain, ce qu'il doit aux chefs d'oeuvre du passé ». Suivie d'une séance de dédicace.

Journaliste, critique d’art et commissaire d’exposition, Élisabeth Couturier est présidente de l’AICA France (Association Internationale des Critiques d’art). Elle intervient dans la presse (art press, Connaissance des arts, Historia, Paris Match), l’édition (Flammarion), la radio et la télévision. Elle a produit l’hebdomadaire les jeudis de l’expo sur France Culture. Elle est l’auteur de la collection de films Les petits secrets des grands tableaux pour ARTE et a réalisé le documentaire de 52 mn pour France 5 sur Pierre & Gilles pour la série Influences Elle dirige la collection Le Guide aux éditions Flammarion dont elle a signé le best-seller « Art contemporain », mais aussi « La photo contemporaine », « Le Design » et tout dernièrement « l’Art contemporain, ce qu’il doit aux chefs d’œuvre du passé. Elle donne régulièrement des conférences sur l’art contemporain et l’histoire de l’art.

Entrée gratuite.

En partenariat avec Midi Libre.