Dans le cadre de l'exposition Immortelle.

Discussion avec les artistes Stéphane Pencréac'h, Nazanin Pouyandeh et la co-commissaire de l'exposition Amélie Adamo, présentée au MO.CO.

Présentation de son dernier livre "Actes d'art", Presses du réel.

«Il s'est passé beaucoup de choses dans les années soixante. Poésie, cinéma, art visuel, performance, jazz, rock, pop... Les jeunesses du monde ont envahi les rues dans un soulèvement de contestation et dans un élan d'espoir. Les artistes se sont libérés de nombre de leurs contraintes. Ils ont ouvert les fenêtres pour côtoyer la vie au plus près. Ce livre est rempli de ce qu'ils ont fait, de leur esprit, de leurs actes. Il est constellé de leurs paroles, citations de textes, d'interviews, recueil d'histoires et d'anecdotes parfois inédites. Les vingt années qui s'écoulent entre 1960 et 1980 sont étonnamment d'actualité. Tilman les a intimement vécues. Auteur acteur, actif, il est plus qu'un simple témoin ou qu'un rapporteur. Son livre est un voyage, un parcours, une vaste ballade historique et poétique. Il est une mallette de voyage, chargée d'indications et de repères, qu'on ouvre, dans laquelle on pioche et dans laquelle on fait des découvertes inhabituelles. La manière de penser de Pierre Tilman est celle d'un homme libre.» (extrait de la 4ème de couverture)

Poète, artiste, écrivain, Pierre Tilman participe à la direction de la revue Chorus (1968-1974). Il est l'auteur de livres sur les artistes Erro, Peter Klasen, Jacques Monory. Il écrit Robert Filliou : nationalité poète, qui est pour certains un livre culte, publié par Les presses du réel en 2006. Né en 1944, traversé par les années 1960-1980, il est un homme de l'existence concrète, directe, de l'amitié au fil des jours et au fil des nuits avec les artistes, les poètes, les musiciens de jazz, les créateurs de vie qui constituent le peuple remuant d'Actes d'art.

Discussion autour de sa pratique artistique avec Julie Chateignon, assistante de production au MO.CO.

Contemporain et ami des artistes de Supports/Surfaces et après une période formaliste dans les années 70, Alain Clément développe dans les années 80 une peinture très colorée constituée de gestes simples jusqu’à saturation de l’espace du tableau. Depuis, valeurs, traits, lignes, rubans et trames travaillent l’espace, le nient, le forcent, le creusent dans une œuvre profuse, dépassant les problématiques formalistes et affirmant le pouvoir expressif de la peinture.À partir de 1990, il entreprend la sculpture par des reliefs muraux en bois dont les formes sont issues de larges traits colorés qui structurent l’espace. Il la développe rapidement dans l’espace jusqu’à des formats monumentaux en acier peint.La singularité de son œuvre repose sur les rapports étroits qu’il tisse dans des allers-retours constants entre peinture et sculpture mis en relief par les expositions que les musées lui consacrent depuis le début des années 2000. Ces rapports s’enrichissent régulièrementpar la pratique de la gravure à laquelle il réserve toujours un soin particulierdepuis le milieu des années 60.

Christodoulos Panayiotou choisit la forme de la conférence performée pour traiter la vertigineuse question du rapport de la mort à la scène.

Partenariat ICI Centre chorégraphique national de Montpellier Occitanie / La Vignette - scène conventionnée, Université Paul-Valéry
Montpellier 3 et MO.CO. Montpellier Contemporain

Comment représenter la mort sur scène ? Cette question n’a pas cessé de traverser l’histoire du théâtre occidental depuis Aristote et se situe au coeur de la performance en trois chapitres proposée par Christodoulos Panayiotou. En partant du concept d’« ironie tragique », qui désigne l’ignorance du personnage face à son destin, le metteur en scène parcourt cette thématique et cherche à déconstruire les systèmes de représentation qui lui sont associés. Tout à la fois lecture, méditation et montage de vidéos Youtube issus d’années d’archivages et de recherches, le spectacle mêle les références culturelles en passant de Dalida à Molière, de Tiny Tim à Noureev, de Michael Jackson à Pasolini. En supprimant les hiérarchies et les frontières entre culture « légitime » et culture « populaire », entre mort symbolique et mort biologique, Christodoulos Panayiotou place le/la spectateur·rice face aux multiples visages de cet inexplicable, de cet inconcevable que représente la disparition de l’être. La composition en mosaïque qui se déploie sous nos yeux interroge les normes de l’art et de la culture, tout autant qu’elle se révèle être un hommage au théâtre.

Conception et interprétation : Christodoulos Panayiotou | Avec la participation (Chapitre 1) de Jean Capeille Production déléguée : centre chorégraphique national de Caen en Normandie *

Discussion autour de sa pratique artistique avec Rahmouna Boutayeb, curatrice au MO.CO.

Depuis les années 1990, Françoise Pétrovitch façonne l’une des œuvres les plus puissantes de la scène française. Parmi les nombreuses techniques qu’elle pratique – céramique, verre, lavis, peinture, estampe ou vidéo – le dessin tient une place particulière. Dans un dialogue constant avec les artistes qui l’ont précédée et se mesurant aux motifs incontournables de la « grande peinture » – Saint-Sébastien, natures mortes, etc. –, Pétrovitch révèle un monde ambigu, volontiers transgressif, se jouant des frontières conventionnelles et échappant à toute interprétation. L’intime, le fragment, la disparition, les thèmes du double, de la transition et de la cruauté traversent l’œuvre que peuplent animaux, fleurs et êtres, et dont l’atmosphère, tour à tour claire ou nocturne, laisse rarement le spectateur indemne.

En écho à l'exposition "Immortelle" qui ouvrira prochainement au MO.CO. et MO.CO. Panacée, le Kiasma propose un focus sur Samuel Spone, ancien étudiant du MO.CO. Esba / École Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier.

Le travail de l'artiste est basé sur une technique picturale du « négatif », obtenue par projections de produits entraînant des réactions chimiques. Une peinture du grand format, libre et accidentée.

En présence de l'artiste Samuel Spone et de Numa Hambursin, directeur du MO.CO. Montpellier Contemporain, suivi d'un apéritif et d'un DJ set électro.

Entrée gratuite, sur réservation à lekiasma@castelnau-le-lez.fr

Projection du documentaire Knit’s Island, à quelques semaines de sa version finale, suivie d’une rencontre, en présence des artistes et producteur : Ekiem Barbier, Guilhem Causse, Boris Garavini

Knit's Island - 2023 - 1h35min

Produit par Les Films Invisibles

Avec le soutien du Centre National du Cinéma et de l’Image Animée, des Régions Occitanie et Sud du DICRéAM, de Montpellier Méditerranée Métropole, de la Procirep-Angoa, du Centre National des Arts Plastiques, du MO.CO. Montpellier Contemporain et de la SCAM Brouillon d’un Rêve. 

Quelque part sur internet existe un espace de 250 km² dans lequel des individus se regroupent en communauté pour simuler une fiction survivaliste. Sous les traits d’avatars, une équipe de tournage pénètre ce lieu et entrent en contact avec des joueurs. Qui sont ces habitants ? Sont-ils réellement en train de jouer ?

Guilhem Causse, Ekiem Barbier et Quentin L’helgoualc’h se rencontrent lors de leurs études au MO.CO. Esba – Ecole supérieure des beaux-arts de Montpellier. En 2016, ils forment un groupe de recherche qui questionne le rapport au réel dans les jeux vidéo en ligne. En 2017 ils s’essayent à une première exploration documentaire dans le jeu GTA V Online et réalisent le moyen-métrage Marlowe Drive, qu’ils diffusent dans plusieurs festivals (Brive, FIFIB Bordeaux) et Centres d’art contemporain (La Panacée, Montpellier, Fondation Cartier et Centquatre Paris). Ils entament à partir de 2018 la réalisation de leur premier long-métrage Knit's Island dont la première mondiale aura lieu au festival Visions du Réel en avril 2023.

Petits et grands partagent une visite active de l’exposition Musées en exil, suivie d’un atelier.

À partir de 5 ans et dans la limite de 2 adultes par famille 

Gratuit dans le cadre du 1er dimanche du mois. Sur inscription à reservation@moco.art

Un parcours thématique sur mesure dans les collections du Musée Fabre et l'exposition Musées en exil.

Gratuit dans le cadre du premier dimanche du mois. Sur inscription à reservation@moco.art

Départ Musée Fabre – arrivée MO.CO

Une exploration des œuvres de "Musées en exil" avec des livres, des comptines et des activités au rythme des bébés.

Enfants de moins de 3 ans.

3€ par participant. Sur inscription à reservation@moco.art 

Visite tactile de l'exposition Musées en exil pour les personnes aveugles et malvoyantes.

Gratuit sur inscription à reservation@moco.art

Dans le cadre de l'exposition Musées en exil.

Darya Koltsova est une artiste ukrainienne dont le travail artistique, fait d'installations, de performances ou de vidéos, convoque les dimensions politiques et personnelles. Ses œuvres parviennent à rendre sensibles et tangibles des situations géopolitiques ou sociales actuelles, en y associant leurs perceptions intimes ainsi que leurs répercutions sur les individus.

S'éloignant d'une tentative de représentation réaliste, elle donne forme à de nouvelles images, parfois issues de recherches historiques ou iconographiques. Depuis l'annexion de la Crimée par la Russie et la guerre du Donbass en 2014, elle travaille sur les effets de la guerre et interroge les possibilités de protections et de résiliences.

Chaque jeudi à 19h au MO.CO. Panacée, des rencontres et des conférences inédites autour de l'art contemporain.

En partenariat avec Midi Libre.

Tous les mercredis, l’équipe de médiation vous propose un atelier créatif au salon des publics.

Venez créer un dessin pour la paix sur une carte postale et n’oubliez pas de l’envoyez à la personne de votre choix pour faire voyager l’exposition.

À partir de 5 ans.

Gratuit sur inscription à reservation@moco.art

Découvrez les secrets de l’exposition, participez à un workshop et tentez de remporter des lots au cours de la soirée avec le MO.CO. Quizz !

Compris dans le billet d’entrée. Sur inscription à reservation@moco.art

Petits et grands partagent une visite active de l’exposition suivie d’un atelier

À partir de 5 ans et dans la limite de 2 adultes par famille 

3€ par participant. Sur inscription à reservation@moco.art